古希腊彫塑
古希腊彫刻（希腊语：Αρχαία ελληνική γλυπτική），指的是一种将固体材料彫刻成人类、动物或神话故事的艺术，属于古希腊艺术中较为明显的一项，发展时间大约于公元前10世纪至公元前1世纪。从文艺复兴其，欧洲人对此种艺术开始出现模仿的风潮，至今未衰。
与大多数古希腊文化相反，彫塑是古代希腊艺术中主要的幸存者，在现代希腊乃至全欧洲的文化中依然随处可见。按照现代考古学，确定了希腊人的青铜制和石头制的彫塑分为三个阶段：一个是远古时期（公元前 650 年至公元前 480 年），一个是古典时期（公元前 480-323 年），最后一个是希腊化时期。在所有时期中，都有大量的希腊人物雕像和金属彫刻装饰遗留，其中的大多数工艺已经能打到现代的手工等级。
希腊人很早就决定“人体”是彫刻艺术创作中最主要的形式[1]，因为希腊人认为“神”就是人类的的形状，所以在艺术上并不会像后来的欧洲艺术区分“宗教”和“世俗”，在希腊人的观点看来，人体可以又是人间的又是神圣的。例如阿波罗或赫拉克勒斯的裸体雕像经常被摆放在古希腊奥运会的会场上，甚至有些雕像就是根据上届拳击冠军的肌肉作为模板来彫刻的。在古代希腊的经济贫困时，其雕像是单一的人体；而在经济腾飞的希腊化时期，则会变为多人群像。到了现代希腊，浮雕比立体彫塑更受欢迎，原因是浮雕通常面积更大、高度更高，并且彫刻时间比立体彫塑短，更加符合现代人的需要。
古希腊彫刻在哲学上特点是理想主义、质朴、注重公共性、雅致、单一色调（通常是白色），所以在西方美术史中，古希腊彫刻作为西方的艺术之母，深深影响了后来西方美术的发展[2]。
起源
编辑希腊半岛及其周围岛屿和小亚细亚西部沿海地带出产大理石和黏土，奠定了古希腊彫刻的发展基础[3]。由于执政者的提倡、宗教服务的需要，因此促成古希腊彫刻艺术不断的发展的良好条件，彫刻的目标有神祇、运动员或是纪录重大的历史事件[3]。
特色
编辑由于古希腊神话的影响之下，其传达的是“神人同形同性”的理念。在这种理念影响下，艺术家都是按照真实的人形象来彫刻，并大多以裸体风格来呈现作品[3]，在他们眼中，单纯是一种“美”的凝视，借由专注的凝视，从政治的、社会的、伦理与道德的纷杂中净化为单纯的美的层次[4]。
一种观点认为，古希腊的裸体艺术来自于原始社会的裸体之风，农业社会以前的人类，特别重视男女外生殖器的表现。那时的人类将性看作是上天给予的礼物，所以他们皆崇尚以性为美，以赤裸为美。到古希腊罗马时期，裸体艺术创作进入了巅峰，当今断臂的维纳斯彫塑就是这一时期的代表作[5]。
另外一种观点认为，古希腊彫刻，喜爱以裸体为主，与当时战争不断和体育风气盛行大有关系。古希腊人认为，身体健康、擅长运动的裸体男女，是在展示一种美的风格。也正是因为这种社会风气，因此产生独特的审美观，导致古希腊人时常采用裸体的形式，来制作彫刻作品[5]。
分期
编辑古希腊彫刻使用材料以为主，不过遗留到今天的作品以石雕为主[6]。
古希腊彫刻，依先后顺序可分为下列几期：
几何风格时期（公元前十世纪至前八世纪）
编辑几何风格的代表文物，为在雅典所挖掘发现的大型陶器——各式陶瓶、陶钵，属于随葬用品，由于其主要出现雅典的狄甫隆区，因而称为“狄甫隆瓶”[7]。那时的雅典已经具备国家形成的雏形，社会阶层已有分化的现象，所以就不难看出这些狄甫隆瓶，就是贵族阶层所使用的物品。狄甫隆瓶在镶边上，用一些几何形状的图案来装饰，表现出那时希腊艺术就存在着两种长久的特色，一是高度发展的图案感，二是对数学形式的极度重视[7]。例如，艺术家在想像描绘人体时，他们常运用小巧、概括的脸部，呈现倒三角形的躯体，曼妙的腰部和健美的大腿，先做大略的勾勒。直至今日，仍用这些特点来创作男性裸体彫塑[7]。
东方化时期（公元前七世纪）
编辑此一时期，这时艺术家接触到东方艺术风格的作品，如纺织品、陶器和金银制品，便加以吸收、模仿，而开创出新的风格。由于又参考有关于许多东方的花草、树木图案，例如玫瑰花纹、棕榈叶纹、纸莎草花纹、狮、鹿等，因此陶瓶上的装饰性又更加丰富多样化[8]。同时又观察到东方工艺品的部分人物画像后，古希腊艺术家也将民族的神话人物和传说，描绘在陶品上。从雕像设计的尺寸，所用的设计方案、造型、姿态上可以发现，受到埃及人影响不小[8]。
东方化时期的陶器，在工艺精美程度、色泽形象、多样性、制作技术比几何风格时期进步不少，陶器图案也从简单、单调的几何图案转变成复杂而富有变化的自然和现实世界图案。另外，东风化风格的陶器，也对希腊经济的发展，带来了影响，在商品的商业贸易中，占有了一席之地[8]。
古风时期（公元前660年至前480年）
编辑此时期是造形艺术的形成期，古希腊彫刻逐渐脱离东方风格的模仿，而开创出自己独有的风格，而古希腊彫刻历史，严格来说应该从这里开始，古希腊彫刻中，最为闻名后世的人体彫刻，从这一时期开始建立基础。法国美术史学家丹纳曾说[9]：
| “ | 希腊人表现人体还有一种全民性的艺术，更适合风俗习惯与民族精神的艺术，或许也是更普遍、更完美的艺术，这就是彫塑。人体彫刻艺术是古希腊彫刻艺术之冠[9]。 | ” |
此时期的彫刻深受埃及影响，人像生硬古扭，大都采取正面性姿态，两手并贴于腿旁，左脚微微向前，肩宽腰窄，杏眼卷发，不论是男女雕像，面部表情几乎都是一模一样的微笑，这种微笑统称为“古风式微笑”[9]，这时期彫刻另外一个特色，就是略有上色，以使五官更为清晰。后期彫刻产生新的元素，出现部分形象较为逼真的男性人体，这种男人雕像通称为“阿波罗”。彫刻于公元前六世纪的《荷犊的男子》是古风时期的代表作，小牛的面部形象逼真，手举小牛的男子双臂也刻画强壮结实[9]。
在古希腊艺术发展史上，古风时期和古典时期之间，存在一个过渡阶段[9]。
公元前五世纪前半期，希波战争爆发，由于战争的惨烈与残酷，而激发出艺术家强烈的爱国意识，所以在彫刻艺术中经常出现有关战争和歌颂英雄的主题，这一时期的作品较为严谨而写实，与古风时期可以说是大异其趣[9]。主要特点在于：由静态的造型演变成多角度表现人物；以往只是单纯表现人物正面演变成多角度表物人物。也因为彫刻技术，又再进一步成熟，而发展成为一种比例匀称、构架精准、身体线条清晰的“团块”体系。此时期的代表作有《驾车人》《波塞顿》《鲁多维奇宝座浮雕》及《里亚切青铜雕像》等[9]。
古典时期（公元前480年至前330年）
编辑此时期已有青铜作品产生，对人体美的动态表现得栩栩如生与均衡，米隆的掷铁饼者、波留克列特斯的荷枪者、普拉克西特列斯的维纳斯、菲狄亚斯的雅典娜·帕德嫩，都是此时的杰作。
- 古典前期
公元前480年，希腊城邦在波希战争获胜后，希腊文化发展进入黄金时期，同时也是希腊彫刻艺术的全盛时期，它在追求“真实的完全”和“客观的真实完美”达到了极致。主要特点在于，彫刻作品更加生动逼真，放弃原来刻板僵直的立像模板，转为活泼生动的运动姿态[10]。这一大转变与彫塑技术和材料有所关系。公元前六世纪，青铜中空铸模法问世，该技法能金属铸匠可以做出和石制品大小一样的雕像，所以艺术家喜爱使用青铜器来创作彫刻作品，原因在于青铜器容易雕铸某些在大理石无法完成的动作和形状[10]。
另外还有另一个因素影响着古典时期彫刻艺术的发展，即为毕达哥拉斯的哲学主张。毕达哥拉斯认为数是万物的根源，强调找出事物背后数的关系，为这些数附上神圣和神秘的内涵[10]。人们普遍认为青铜器中空铸模法是是奥多罗斯和罗科斯所发明的，他们与毕达哥拉斯是相同时代的人，因此极有可能一同影响这段时间的艺术发展。总而言之，毕达哥拉斯的哲学主张促使艺术家将艺术形式看作是某种数量关系，并渐渐关注艺术形式中的数量比例关系，因而得出一些定律或规则，而被古希腊艺术奉为圭臬[10]。
- 古典后期
公元前四世纪的古典后期与古典前期比较，最大不同在于雕像加工略有放松，同时在复杂微小的心理刻画和山水景观的表现方面达到新的层次[10]。古典后期出现三位大师级的彫刻家：普拉克西特列斯、斯科帕斯和留西波斯。前两位曾参与摩索拉斯陵墓的彫刻工作[10]。
普拉克西特列斯最为著名的作品是《裸体的阿芙罗狄忒》，是最早、最有名的阿芙罗狄忒裸体雕像，开启女性裸体创作之风，他由于精通呈现女性的秀外慧中而闻名于世[10]，斯科帕斯的风格总是忧郁悲壮，其《海克力斯头像》是广被西洋艺术鉴赏家，评价为最佳作品之一[11]，留西波斯喜欢用铜来彫塑人像，尤其注重人体各部的均衡美，他的作品独树一格，无意仿效前代艺术家作品的风格，他晚年曾为亚历山大从事艺术创作，其中以《亚历山大大帝铜像》最为出名[12]。
希腊化时期（公元前330年至前30年）
编辑由于亚历山大的东征西讨，也顺道将古希腊艺术传播到东方，而之后统一帝国的创建和城邦国家的解体，使这时的艺术风格，又产生新的转变[10]，此时期的最大特色，作品题材走向写实化、生活化、多元化与官能化的风格[13]，一般市井小民、妇女、拳师等，都是成为作品的目标[10]，不过其中有些作品缺乏宗教色彩，多是为了迎合君王和富豪的需求而作，流于结构复杂和技巧夸张，变成所谓过度装饰的“巴洛克式艺术”[13]，丧失希腊古典艺术的高雅气氛，德国艺术家约翰·约阿希姆·温克尔曼曾说：“早已失去高贵雄雅和静谧伟大”[13]，总之，希腊化时代的艺术，是希腊艺术的末期现象，其被批评为颓废庸俗[13]。维纳斯与爱神、劳孔与闻名于世的米罗的维纳斯等，便是此期的代表作品。
画廊
编辑女性
编辑-
迪普莱（Diplax） -
雅典娜（Athena/Pallas） -
凯登（Chiton）
男性
编辑-
克拉米斯（Chlamys）
相关条目
编辑注脚
编辑- ^ Cook, 19
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参考书籍
编辑- 《西洋全史》（三）希腊城邦，燕京文化事业股份有限公司
- 《希腊文明》，华滋出版，ISBN 978-986-6271-13-7
- 《写给大家的西洋美术史》，台湾东华出版，ISBN 957-483-175-2